一、敵我的顏色和服裝，用對比創(chuàng)造沖突

丹尼斯·維倫紐瓦的電影有超現(xiàn)實的元素，但你不能稱他為超現(xiàn)實主義者。他在電影中表達的總是超出我們的認知，例如《宿敵》。我們以前見過很多關于小說《雙面人》的故事，但改編自《雙面人》的《宿敵》卻能自立門戶。

在影片中，杰克·吉倫哈爾一個人扮演了兩個角色：亞當和安東尼。兩個男人外表相同但生活卻截然不同。像許多其他關于《雙面人》的電影一樣，亞當和安東尼代表了同一枚硬幣的兩面。

他們的形象相似，但個性是完全不同的。如果是你來主導拍攝將如何表現(xiàn)？有沒有辦法在視覺和主題上把它們更好的區(qū)分？《宿敵》給出了完美的答案。

例如，在下面這個場景中，兩個男人都有相同的發(fā)型和面部毛發(fā)。他們的服裝是視覺上區(qū)分它們的唯一方式。亞當是兩人中更健康的人，他的服裝顏色很淺。安東尼更具侵略性和粗魯，所以他的配色方案更暗。

我們可以直截了當地說，好人穿白色而壞人穿黑色。但這只是電影中使用服裝的開始，角色周圍的布景提供了更多的信息和意義。

二、電影是探索陰影的工具

在這個場景中，安東尼在他的公寓里面對亞當。二人之間的對立是明顯的，但丹尼斯·維倫紐瓦更進了一步，他用服裝和場景設計突出了這種狀況。

在這兩個鏡頭中，注意顏色和背景的對比。在亞當的鏡頭中，他的白襯衫與身后的櫥柜完美融合。他融入了房間，使他看起來氣勢很弱。

另一方面，安東尼身穿黑色皮夾克，將他與光線充足的背景分開。黑色衣服與后邊的鮮明對比讓他看起來更具有壓迫性，更強壯，更有氣勢。

杰克·吉倫哈爾出色的演技使兩個人的差異顯而易見。但是角色穿著，打光使這樣的差異在無形中變得更加明顯。

色彩與光影對比是這個過程的重要組成部分。或許，在你的電影中也可以考慮如何將服裝與布景相結合，運用色彩與光影進一步推動象征主義。

以這種方式調整畫面效果是一個微妙的選擇，觀眾甚至注意不到這些細節(jié)。但它會在潛意識層面上起作用，能夠提升電影的觀感。

一、在《囚徒》中“制造”同謀，激活觀眾想象力

剪輯就是一種關于操縱的藝術。它操縱聲音和圖像，用來產生故事故事，感覺或主題。剪輯能夠為腳本中可能沒有的場景提供意義。

剪輯還可以激活想象力并將觀眾帶入故事中。丹尼斯·維倫紐瓦在驚悚劇情片《囚徒》的場景中做到了這一點。

電影中沒有直接向我們展示綁架的可怕圖像，相反，他引導我們自己想象。兩個小女孩失蹤了，警方終于抓住了一名嫌犯。這名嫌犯艾利斯正在被警探羅基質問。

羅基替艾利斯陳述了他可能犯罪的動機與過程。審訊的同時，畫面與法醫(yī)調查員對艾利斯房車進行測試的鏡頭交互穿插。

在這些鏡頭中，審訊在畫外音中繼續(xù)進行。羅基的問題試圖構建事件的時間表。“你有沒有讓他們進入房車然后帶走他們？” “你綁他們了嗎？”

艾利斯否認與失蹤女孩有任何關系。但是這個場景的構建是為了讓觀眾相信他是有罪的。當觀眾看到所謂的犯罪現(xiàn)場的圖像時，觀眾可以想象為自己被綁架。在這樣的場景中，艾利斯有充足的動機與時間帶走女孩。

于是，觀眾在腦海里“確認”艾利斯有罪，觀眾“看到”他這樣做了。這一判斷至關重要，因為艾利斯的清白在整部影片中受到了質疑。其中一個女孩的父親凱勒確信艾利斯有罪并竭盡全力證明這一點。凱勒在暴力尋找真相的過程中，如同在道德的邊緣試探。

因為觀眾也已經在腦海中構建了艾利斯犯罪的場景，所以觀眾在觀看過程中也跟著凱勒一起反復檢查自己的道德領域。

二、矛盾和悖論，幫你找到真相

通過剪輯，丹尼斯·維倫紐瓦使觀眾觀看電影的體驗變得復雜。觀眾不再是被動的旁觀者; 觀眾通過猜測與想象加入了故事之中。

剪輯此類場景時，請牢記觀眾體驗。通過他們的想象力，他們將進一步深入到故事中。那就是你知道你抓住了觀眾的心的時候。

一、在《焦土之城》中根據音樂剪輯：圖像+音樂=主題

在《焦土之城》中，丹尼斯·維倫紐瓦將火災作為電影開幕式的場景，就像MV一樣。圖像和音樂之間的關系以非常神奇的方式相互補充。剪輯是圍繞音樂設計的，但這不是沒有目的的正式練習。

這個場景比我們意識到的更有意義。當你第一次觀看這場大火時，缺少此場景的上下文，被吸引了好奇心，而一直到了最后才能這場大火有著怎樣的意義。也只有這樣，它的真正力量才能顯現(xiàn)出來。

音樂播放是Radiohead的一首名為“You and Whose Army?”的歌。它起初是一首沒有打擊樂的安靜民謠，而在電影中成為一個包含了柔和的聲樂和一個混響吉他的曲子。

畫面加上柔和的平移相機，與慢動作相輔相成。畫面展示出這可能是一個破舊而空曠的混凝土房間，位于中東的某個地方，一群年輕男孩正在剃光頭。

他們的表情顯示這可能違背他們的意愿。攜帶自動武器的成年男性士兵證實了這一點。Radiohead的歌詞提到了密友、軍隊和神圣羅馬帝國。“It is a challenge: Bring your army and let's do battle.”

這時候的歌詞也與畫面的場景一致，這些拿槍的人正試圖把男孩們變成士兵。剃掉他們的頭發(fā)降低他們的個性，讓他們更具有集體屬性。

這首歌從挽歌變成了更有力的合唱。鼓聲和鋼琴聲響起，歌聲突然響起。打擊樂一落下，畫面就發(fā)生了戲劇性的變化。畫面中是一個小男孩，他正盯著攝像機。在慢鏡頭中，鏡頭移向他的臉，而他的眼神表示他正在忍受強制理發(fā)。

他瞪著我們，音樂節(jié)奏的跳躍表明了他的重要性。就在這之前，我們還看到他腳后跟上有一個由三個點組成的小紋身。直到后面我們才能明白紋身的意義。

歌詞和意象在主題上是相通的。這是將電影剪輯與音樂完美結合的一個典型例子。使用已經存在的歌曲可能是一個冒險的決定。

如果這首歌很受歡迎，大多數觀眾都有自己的聯(lián)想，這可能會影響你想要的效果。所以在拍攝之前仔細檢查你的劇本，考慮哪些歌曲會產生最大的影響。

二、《降臨》中的聲音威脅：用音樂制造恐懼

《降臨》是關于兩個世界的會晤，人類與外星人。為了建立這種外星人的分離感，視覺效果必須是獨一無二的，代表這些世界的配樂也應該是特別的。

丹尼斯·維倫紐瓦如何利用音樂來傳達這些外星人的“特別”？在我們看到這些生物之前，音樂如何能夠讓我們對這些生物有所想象？《降臨》中的場景回答了這些問題。

我們在電影中聽到的第一首音樂是在序幕中。露易絲·班克斯在畫外音中說話似乎是閃回片段。這是一個浪漫的鏡頭和剪輯序列，帶有悲劇性的結論。

音樂是一種憂郁的弦樂編曲，我們以前從未聽過這種特別的音樂，但我們知道這是屬于我們人類的的音樂。

然而，接下來我們再聽到音樂時，班克斯博士在一個漫長而華麗的空中拍攝中接近外星飛船。這一次，音樂不再是我們熟悉的。這是一種嗡嗡作響的聲音，其旋律聽起來幾乎像艱難的發(fā)聲練習。

旋律接近我們在鯨魚歌曲中所聽到的，但比那更為陌生。這可能是外星人唱的一首歌嗎？我們不確定，這種不確定會造成緊張局勢。這些訪客是什么，他們想要什么？

到此處，觀眾已經進入了一個新的現(xiàn)實，一個存在外星人的現(xiàn)實，并且在看到外星人之前就“聽”出了陌生感。

然后，班克斯博士和團隊進入航天器。配樂的威脅和陌生的語調增加。當他們走近時，可以聽到一陣不祥的低沉的嗡嗡聲。

當載著隊伍的升降機停了下來，他們在平臺上短暫地漂浮著，異族的旋律又回來了。

當他們走向主室時，作為迎接的是多層次的諧波爆炸，這聽起來像是來自船本身的警告或警報。

幾秒鐘之后，我們看到鏡頭中團隊顯然是在天花板上行走，觀眾在這里可以意識到這是第二次警告。在外星飛船上團隊顛倒了，這個場景的恐懼是響亮而清晰的。

丹尼斯·維倫紐瓦的電影與視覺效果一樣有趣。即使電影是一種視覺媒介，聲音和音樂選擇一個機會，讓觀眾“聽到”看不見的信息。

三、《降臨》中的外星人發(fā)聲：未必用舌頭說話

當終于聽到外星人“說話”時，之前的懷疑得到了證實。我們之前想知道音樂中的呻吟旋律是否可能是外星人的發(fā)聲，而他們的咆哮和嗡嗡聲正好符合音樂所建立的領域。當“七肢桶”出現(xiàn)時，他們的語言與音樂融為一體，顯然他們是同一個世界的畫風。

阿伯特(Abbott)和科斯特洛(Costello)是七項人格的昵稱，他們“說話”的聲音既陌生又熟悉。它們的咔噠聲、喇叭聲和喉音可能是地球上發(fā)現(xiàn)的動物的混合體。但即使是這些聯(lián)系也因失真和混響而變得復雜。

七肢桶在它們的環(huán)境中移動，就像在水下一樣，這使得它們的“鯨歌式”講話更加熟悉。無論他們的語言多么陌生，似乎都是基于我們以前聽到的聲音。

這給了七肢桶的存在一個合法性，一種讓他們更加可怕的“真實”。在這個場景中，人類是無能為力的，而且有另一種聲音可以清楚地說明這一點。與艾伯特和科斯特洛巨大的叫聲相比，這只關在籠子里的小鳥的鳴叫聲具有象征意義。

這給觀眾一種感覺，人類就是那只鳥，弱小而且被籠子困住，在這些龐然大物面前顯得微不足道。在后面的場景里，外星人很少再展現(xiàn)出像他們到達時那樣的壓迫力，由于缺乏了聲音與配樂帶來的“陌生感”。

而這種陌生感，主要是由于聲音和音樂的設計與畫面剪輯之間的相輔相成。

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文 來源/導演幫（ID：daoyanbangwx）

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